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Recordando a un Maestro de la ArquitecturaHoy rendimos homenaje a Enrique Ciriani Suito (Lima, 1936), uno de los arquite...
03/10/2025

Recordando a un Maestro de la Arquitectura
Hoy rendimos homenaje a Enrique Ciriani Suito (Lima, 1936), uno de los arquitectos peruanos más influyentes a nivel internacional y un firme defensor de la arquitectura moderna.

Ciriani estudió en la Universidad Nacional de Ingeniería (UNI) y tuvo un inicio de carrera fulgurante en Perú, donde trabajó en proyectos fundamentales de vivienda social a inicios de los años 60. Su obra en esta etapa incluye contribuciones clave en conjuntos residenciales emblemáticos de Lima, como la Unidad Vecinal Matute, la Unidad Vecinal Mirones y, sobre todo, el icónico Conjunto Residencial San Felipe.

En 1964, se trasladó a París, donde desarrolló la mayor parte de su carrera profesional y académica. En Francia, obtuvo la nacionalidad y se convirtió en una figura esencial, formando parte del prestigioso Atelier d'Urbanisme et d'Architecture (AUA). Entre sus obras más notables en Europa se encuentran el Museo Arqueológico de Arles y el Museo de la Gran Guerra en Péronne.

Además de su práctica profesional, Ciriani fue un apasionado docente y teórico en prestigiosas escuelas de arquitectura de París, dejando una profunda huella en varias generaciones de estudiantes con su visión intransigente del espacio moderno. Su trayectoria fue reconocida con numerosos galardones, incluyendo el Gran Premio Nacional de Arquitectura de Francia (1983) y la Medalla de Oro del Colegio de Arquitectos del Perú (2012).

Conmemoramos su invaluable legado, que trasciende fronteras y sigue inspirando a quienes creen en el poder de la arquitectura para transformar la vida de las personas.

¡Gracias, Enrique Ciriani, por regalarnos una vida dedicada a construir un mundo más moderno, funcional y hermoso! Su obra permanece entre nosotros.

🧱✨ Mies van der Rohe: el arquitecto que nunca se graduó, pero cambió la arquitectura¿Sabías que uno de los arquitectos m...
28/09/2025

🧱✨ Mies van der Rohe: el arquitecto que nunca se graduó, pero cambió la arquitectura

¿Sabías que uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX nunca obtuvo un título formal de arquitectura?

Así es: Ludwig Mies van der Rohe, nacido en 1886 en Aachen, Alemania, empezó como aprendiz en el taller de su padre, que era cantero y escultor en piedra. A los 15 años ya dibujaba ornamentos para estucos y aprendía más de la obra real que de los libros.

Con ese conocimiento “de calle”, Mies se mudó a Berlín y trabajó con Bruno Paul y Peter Behrens. Fue en el estudio de Behrens donde coincidió con otros jóvenes genios como Walter Gropius y Le Corbusier. Allí entendió algo que marcaría toda su vida: la arquitectura debía ser honesta con sus materiales. Si usas acero, que se vea; si es vidrio, que deje pasar la luz.

Su evolución fue curiosa: empezó diseñando casas decoradas con ornamentos, pero cada proyecto lo cansaba un poco más de lo innecesario. Poco a poco fue desnudando la arquitectura hasta dejarla en lo esencial. De esa búsqueda nació su célebre frase: “Less is more”.

Muchos lo acusaron de frío, de construir “cajas de cristal sin alma”. Él respondía que la arquitectura no era decorar, sino dar orden y dignidad al espacio humano.

Mies murió en Chicago en 1969. No tenía un título universitario, pero dejó algo más valioso: una forma de mirar el espacio. Nos enseñó que la arquitectura puede ser piel y hueso, vacío y claridad, un escenario donde la vida sucede con la menor interferencia posible.

Su “Less is more” no es solo una estética: es un reto a todos nosotros.

👉 ¿Podemos vivir con menos, para sentir más?

Arq Anthony Dominguez Espinola

✨ La luz en la arquitectura no es un detalle: es el alma del espacio.Cuando un muro recibe un rayo de sol, deja de ser s...
27/09/2025

✨ La luz en la arquitectura no es un detalle: es el alma del espacio.
Cuando un muro recibe un rayo de sol, deja de ser solo concreto: se convierte en emoción, la luz construye lo que la materia no puede: atmósferas, silencios, espiritualidad.

👉 En la arquitectura, la luz guía, acaricia, hiere o envuelve.
Puede transformar una habitación común en un refugio íntimo.
Puede hacer de un patio un escenario lleno de vida.
Puede convertir un templo en un lugar de trascendencia.

Luis Barragán decía: “La arquitectura que no provoca emoción, es mera construcción”. Y es la luz quien despierta esas emociones: la claridad del amanecer, la penumbra de la tarde, la sombra que nos protege en el calor.

⚡ La verdadera arquitectura es esculpir la luz con la materia.
Porque sin luz no hay espacio, y sin sombra no hay misterio.

Arq Anthony Dominguez Espinola

Villa Savoye: la máquina de habitar que redefinió la casa moderna“Una casa es una máquina de habitar” — Le CorbusierLa V...
27/09/2025

Villa Savoye: la máquina de habitar que redefinió la casa moderna

“Una casa es una máquina de habitar” — Le Corbusier

La Villa Savoye, construida entre 1928 y 1931 en Poissy, Francia, es una de las obras más emblemáticas del Movimiento Moderno y de la arquitectura del siglo XX.
Encargada por la familia Savoye, fue diseñada con total libertad por Le Corbusier y Pierre Jeanneret, y ha pasado a la historia como paradigma de los principios que él llamó los cinco puntos de una Nueva Arquitectura.

Estos cinco puntos que se hicieron visibles en Savoye son:

- Planta Libre
- Pilotes
- Fachada Libre
- Ventanas Horizontales (alargadas)
- Terraza Jardín

La Villa Savoye parece flotar sobre el paisaje verde de Poissy, Francia, todo en ella está pensado como un recorrido: desde el ingreso del auto en la planta baja, hasta la rampa que conecta los espacios interiores con la terraza abierta al cielo.
Una experiencia que Le Corbusier llamó la “promenade arquitectónica”.

Claro, no todo fue perfecto: las filtraciones de agua y problemas de mantenimiento hicieron que la familia la habitara poco, durante la Segunda Guerra Mundial fue ocupada por los alemanes, abandonada y casi demolida, pero el tiempo la reivindicó y hoy es Patrimonio Mundial de la UNESCO, visitada por arquitectos, estudiantes y viajeros de todo el mundo.

Más que una casa, la Villa Savoye es una declaración: la modernidad podía reinventar la forma de vivir, con espacios flexibles, luminosos y abiertos a la naturaleza. 🌿✨

👉 ¿Sabías que esta obra casi desaparece en los años 60 por abandono y fue salvada gracias a la presión de arquitectos e intelectuales?

📸: archdaily.pe

Arq Anthony Dominguez Espinola

✨🏡 Farnsworth vs Glass House: dos casas de vidrio, dos visiones del modernismoHace unos días estuve revisando fotos y no...
27/09/2025

✨🏡 Farnsworth vs Glass House: dos casas de vidrio, dos visiones del modernismo

Hace unos días estuve revisando fotos y notas de dos casas que considero hermanas de vidrio: la Farnsworth House de Mies van der Rohe y la Glass House de Philip Johnson.

Ambas siguen siendo un diálogo abierto entre arquitectura, naturaleza y lo que significa “vivir a través del cristal”. Y lo que descubrí, entre planos, entrevistas y documentos de archivo, es que este diálogo fue también tenso, humano, lleno de admiración y críticas mutuas.

Imagina: Edith Farnsworth deseaba una casa para escapar del bullicio, para estar junto al río, bajo los árboles, viendo la naturaleza. Mies diseñó para ella una caja elevada sobre pilotes, con vidrio en todas sus paredes. Pero con ese aire de perfección llegaron también los problemas: privacidad casi nula, filtraciones, ventanas empañadas, y el río que intentaba invadir la casa cada cierto tiempo. Bella, sí… pero también difícil de habitar.

Philip Johnson, amigo y discípulo cercano de Mies, ya conocía estos croquis y maquetas antes de que la Farnsworth estuviera terminada, fascinado, decidió llevar esas ideas a su propio terreno en Connecticut, y lo hizo en un momento crucial: la Glass House fue el proyecto con el que presentó su tesis para graduarse como arquitecto. Allí mantuvo la transparencia y la estructura mínima, pero añadió un sello personal: el famoso cilindro de ladrillo que guarda la chimenea y el baño, un gesto que le da anclaje, intimidad y contraste a tanta transparencia.

Y lo más humano: Johnson llevó a Mies a visitar su Glass House. Se dice que Mies, al examinarla, comentó con franqueza que no le convencían ciertos detalles, especialmente en las “esquinas” —esa obsesión suya por la perfección constructiva. La relación entre ambos fue de respeto y amistad, pero también de crítica y competencia silenciosa.

Al final, esas diferencias hacen que estas dos casas no sean copias, sino variaciones sobre un mismo tema.

La Farnsworth deslumbra por su pureza formal y su silencio contemplativo, pero también muestra lo difícil que es habitar un manifiesto.

La Glass House, en cambio, brilla por ser refugio y escenario, por combinar lo íntimo y lo social en una caja transparente que marcó el inicio de la carrera de Johnson.

👉 ¿Y tú? ¿En cuál de estas dos casas de vidrio te atreverías a pasar un verano?

Arq Anthony Dominguez Espinola

Louis Kahn y el milagro de la plaza del Salk Institute ✨🌊Hay edificios que no solo contienen actividades, sino que conti...
27/09/2025

Louis Kahn y el milagro de la plaza del Salk Institute ✨🌊

Hay edificios que no solo contienen actividades, sino que contienen ideas. El Salk Institute, en La Jolla (California), es uno de ellos: concebido por Louis Kahn para ser un lugar de investigación —serio, claro y contemplativo— nació con una idea casi poética: ¿y si en medio de ese campus frente al Pacífico se levantara un “oasis” donde brotara la vida y la vegetación para crear un refugio en la aridez costera? Esa fue una de las primeras imágenes en los bocetos de Kahn: una plaza con árboles o incluso un jardín monástico que ofreciera sombra y recogimiento.

Pero la historia dio un giro memorable cuando Kahn viajó a México y conoció la obra —y la sensibilidad— del maestro Luis Barragán.

En el encuentro entre arquitectos Barragán hizo una observación que cambió el proyecto: “Not a single leaf, not a single blade of grass should be planted here. This is not a garden. This is a plaza.”

La sugerencia fue radical y sencilla: quitar la vegetación propuesta y dejar la gran plaza de travertino con su estrecho canal central. El resultado fue una superficie que actúa como una «fachada al cielo» y dirige la mirada —y el alma— hacia el mar y la luz del Pacífico.

Esa moderación —menos elementos, mayor fuerza— transforma la experiencia: la ausencia de plantas no empobrece el lugar; por el contrario, magnifica el cielo, la luz y la extensión del océano, al tiempo que subraya la materialidad del travertino y la contundencia de las geometrías de Kahn.

El canal central, estrecho y exactamente alineado con el horizonte, actúa como una flecha visual que une plaza y mar; la plaza se siente a la vez pública, austera y profundamente humana.

Anécdota breve: se cuenta que, al ver la plaza abierta y sin árboles, algunos inicialmente se sorprendieron —¿no sería un lugar demasiado desnudo?—; hoy, esa misma desnudez es la que muchos agradecen porque permite contemplar el cielo como una superficie móvil y el océano como un telón lejano que cambia minuto a minuto.

Muchos críticos y visitantes coinciden: gracias a esa decisión la obra gana una dimensión casi ceremonial, donde la arquitectura enmarca la naturaleza en lugar de competir con ella.

Arq Anthony Dominguez Espinola

✨🏛 Heydar Aliyev Center – Zaha Hadid En Baku, un edificio parece estar vivo: se eleva y se hunde, fluye hacia el cielo y...
27/09/2025

✨🏛 Heydar Aliyev Center – Zaha Hadid

En Baku, un edificio parece estar vivo: se eleva y se hunde, fluye hacia el cielo y regresa al suelo como una ola detenida en el tiempo, ese es el Heydar Aliyev Center, la joya arquitectónica de Zaha Hadid que reescribió lo que pensamos de los edificios culturales.

La historia empieza en 2007, cuando un concurso convocó a diseñar un lugar que represente el alma cultural de Azerbaiyán. Hadid propuso algo inimaginable: no una caja, ni un bloque, sino un objeto continuo, sin esquinas dominantes, donde las superficies se doblan y se pliegan en una sola piel que devora el paisaje y luego lo regresa transformado.

Imagino que para los visitantes el efecto debe ser desconcertante: al acercarte no sabes dónde termina la plaza y dónde empieza el edificio, al internarte, los espacios se suceden con senos, curvas, transiciones suavemente luminosas, y de noche, cuando el interior se enciende, el volumen se convierte en escultura luminosa, destacándose sobre la ciudad.

Pero esa poesía vino acompañada de ingeniería audaz: columnas curvadas, vigas especiales, envolventes que debieron responder a demandas estructurales e iluminadas cuidadosamente para que el edificio cambie con el sol y con la noche.
Fue inaugurado en 2012 con gran ceremonía, y pronto recibió reconocimientos internacionales — entre ellos el premio Design of the Year 2014, donde Hadid se convirtió en la primera mujer en recibir ese honor para un edificio.

También hubo voces que cuestionaron la relación entre obra arquitectónica y poder político, especialmente cuando el homenajeado fue un líder con controversias políticas. Pero esa tensión entre lo simbólico, lo técnico y lo urbano solo hace más poderoso el relato de esta obra.

Si quieres verlo por dentro, te recomiendo ver 4K Baku by Zaha Hadid From Inside y Stories Behind Iconic Architecture — te prometo que esos videos te harán mirar arquitectura con ojos distintos.

👉 ¿Te imaginas caminar esa plaza curva, ver cómo el edificio te envuelve, entrar sin sentir barreras visibles? Eso es lo que el Heydar Aliyev Center nos invita a experimentar: que la arquitectura deje de ser muro y se convierta en abrazo.

Arq Anthony Dominguez Espinola

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